Título original: Godzilla x Kong: The New Empire

Año: 2024

Duración: 113 min.

País: Estados Unidos

Dirección: Adam Wingard

Guión: Terry Rossio, Simon Barrett, Jeremy Slater. Historia: Terry Rossio, Simon Barrett

Reparto: Rebecca Hall, Brian Tyree Henry, Dan Stevens, Kaylee Hottle, Alex Ferns, Fala Chen

Música: Junkie XL

Compañías: Legendary Pictures, Screen Queensland, Marzano Films, Warner Bros. Distribuidora: Toho, Warner Bros.

Género: Acción. Fantástico. Ciencia ficción | Monstruos. Simios. Secuela

Público: No recomendada por menores de 7 años

Sinopsis

Una aventura cinematográfica completamente nueva, que enfrentará al todopoderoso Kong y al temible Godzilla contra una colosal amenaza desconocida escondida dentro de nuestro mundo. La nueva y épica película profundizará en las historias de estos titanes, sus orígenes y los misterios de Isla Calavera y más allá, mientras descubre la batalla mítica que ayudó a forjar a estos seres extraordinarios y los unió a la humanidad para siempre.

DESCRIPCIÓN

Descubre la magia de Anselm Turmeda, el escritor medieval que trasciende fronteras lingüísticas.

Creado e interpretado por Sílvia Bel, el espectáculo nace con motivo de la conmemoración de los 700 años de la muerte de Anselm Turmeda. Figura única en la época medieval reconocida como escritor tanto en lengua europea como en árabe, Emparaulant Turmeda busca compartir su obra de manera accesible para todos aquellos interesados en explorar el universo literario de este autor.

El evento comienza con una introducción y explicación de las obras y fragmentos de Turmeda, a cargo de Gabriel Ensenyat Pujol. A continuación, se realiza la lectura dramatizada a partir de sus obras, resaltando su riqueza y profundidad. Con la interpretación de Sílvia Bel, y acompañada por las voces expresivas de Neus Borrell y los sonidos de guitarra interpretados por Miquel Joan.

Con la combinación de la palabra, la interpretación dramática y la musicalidad de la guitarra, el espectáculo busca crear una experiencia que destaque la importancia y relevancia de Turmeda en el panorama literario medieval. Os invitamos a participar en esta velada cultural, donde la palabra del escritor cobra vida de nuevo.

Espectáculo en colaboración con la Universitat de les Illes Balears, Vicerectorat de Projecció Cultural i Universitat Oberta.

FICHA ARTÍSTICA

Creado e interpretado por Silvia Bel

Voz - Neus Borrell

Guitarra - Miquel Joan

Duración: 50 min
Idioma: catalá
Género: palabra y música
Público: todos los públicos

DESCRIPCIÓN

Maria Jaume presenta por primera vez en Mallorca su tercer álbum, con que confirma su traslación a un pop cada vez más electrónico, más bailable, más vital.

¿Dónde ha quedado aquella melancolía que definía sus canciones? Sigue muy presente, pero ahora convive con unas capas de ironía y despreocupación que le quedan el mar de bien. Y llega en un momento dulce, con las expectativas altas después de la buena acogida de los singles que ha ido presentando el último año como Lo Que Romp Es Coret, Ressaca a sa platja y Xin xin i bye bye.

Un paso más en una carrera musical firme y consistente, después de sorprender con el álbum de debut Fins a maig no revisc (2020) y consolidarse con Voltes i voltes (2022).

Duración: 70 min
Idioma: catalá
Género: música
Público: todos los públicos

DESCRIPCIÓN

Espectáculo que juega con la música de los abuelos y la estética de los nietos.

El espectáculo se va construyendo según los deseos del público, quien será el encargado de ir decidiendo, de manera totalmente democrática, cómo quieren que sean los personajes, sus caracteres, los números musicales o el final de la obra. Por todo ello, estamos ante un espectáculo no tradicional, ya que cada representación se convierte en una experiencia única, siempre diferente a la anterior.

Dos cantantes, una actriz, un pianista y dos bailarinas son los encargados de dar forma a esta obra que parte de la idea de que la zarzuela es un género caduco, personificado en 'Zarzuelator', personaje que pretende fulminar la zarzuela. No obstante, el resto de personajes acabarán por convencer al 'destructor', a partir de la exhibición de los numerosos valores positivos que posee el género, de que la zarzuela debe salvarse y conseguir seducir a las nuevas generaciones.

La compañía de teatro lírico Diabolus in Musica nace en Mallorca en el año 2016, bajo la iniciativa del barítono y director de escena Pablo López, realizando un trabajo de base en la creación de público en el género lírico.

Su objetivo es acercar la música clásica, y muy especialmente la ópera, a públicos no habituales de este género, con especial atención a los niños y jóvenes, para quienes en la mayoría de casos supone su primer contacto con el mundo operístico. Y conseguir que esa primera experiencia con la ópera sea positiva y pueda perdurar para el resto de sus vidas.

FICHA ARTÍSTICA

Cantantes
Pablo López
Maia Planas

Actriz
Esther López

Bailarinas
Susana Larriba
Marta Larriba

Pianista
David Mohedano

Video-creación
Twinforce

Diseño personajes
Cristina Torbellina

Iluminación
Fabián Pereyra

Dirección Escénica
Jaime Pujol

Producción
Diabolus in Musica

Duración: 70 min
Idioma: castellano
Género: música
Públicos: todos los públicos

Título original: Back to Black

Año: 2024

Duración: 115 min.

País: Reino Unido

Dirección: Sam Taylor-Johnson

Guión: Matt Greenhalgh. Biografía sobre: Amy Winehouse

Reparto: Marisa Abela, Ryan O’Doherty, Jack O’Connell, Lesley Manville, Eddie Marsan, Sam Buchanan, Dwayne Thomas, Thelma Ruby, Jo Krayer, Jacob Trump, Bronson Webb, Ansu Kabia

Fotografía: Polly Morgan

Compañías: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Monumental Pictures, Sony/ATV Music Publishing, Studiocanal. Distribuidora: Focus Features

Género: Drama. Musical | Música. Biográfico

Público: No recomendada por menores de 12 años

Sinopsis

Biopic que narrará la vida personal y profesional de la cantante y compositora Amy Winehouse, que comenzó como cantante de jazz para convertirse en una superestrella mundial de la música ganadora de varios premios Grammy. Su vida se truncó en 2011 a los 27 años provocada por una vida llena de consumo y abuso de alcohol y drogas.

Presentado por la Compañía Nacional de Teatro Clásico, este diálogo contemporáneo escrito, dirigido y protagonizado por Alberto San Juan, explora las tensiones y luchas de la España del Siglo de Oro.

A partir del diálogo, San Juan te invita a reflexionar sobre la relevancia de la violencia y la masculinidad en la sociedad actual. Rompe con las convenciones que cuestionan el hecho de que ser un macho implica no mostrar vulnerabilidad, revelando la tragedia personal del personaje y la identidad nacional española.

No te pierdas la oportunidad de sumergirte dentro de la obra, que ofrece una mirada intensa y conmovedora a partir de la interpretación de San Juan y los músicos que le acompañan en vivo, haciendo de este un recorrido por la historia española hasta llegar a la sociedad contemporánea. ¡Únete a esta experiencia teatral y descubre el poder de "Macho grita"!

Palabras del director

‘’Macho grita es una crónica de mi propia ceguera sobre la historia de mi país. Un intento balbuceante de aproximación al proceso histórico por el cual se construye la norma que establece qué es ser español. Un intento de entender cómo se construye el sistema de poder jerárquico que nos gobierna, cómo se construye lo Macho —entendido como voluntad de dominio—, en este territorio llamado España. Una tentativa de identificar quiénes somos nosotros y quiénes los otros, y por qué la guerra entre ambas partes. La expresión, quizá, del anhelo de superar los pronombres personales y desembocar en algo que, sin dolor ni vergüenza, podamos llamar vida.’’

Alberto San Juan

Ficha artística

Dirección y dramaturgia: Alberto San Juan

Reparto (en orden alfabético)

Alberto San Juan

Músicos

Claudio De Casas

Miguel Malla

Gabriel Marijuán

Pablo Navarro

Equipo artístico

Espacio escénico y vestuario: La Compañía

Iluminación: Raúl Baena y Eduardo Vizuete

Ayudante de dirección: Carlota Gaviño

Ayudante de producción: Lucía Rico

Alumna en Prácticas: Cristina Martínez

Macho grita es una coproducción de la Compañía Nacional de Teatro Clásico y EQM Serveis Culturals

Duración: 70 minutos
Idioma: Castellano
Público: Para mayores de 12 años

Duración aproximada: 2 horas 30 minutos

Primera parte: 1 hora 15 minutos

Descanso de 15 minutos

Segunda parte: 1 hora

Reparto:

Pau Camero - Don Giovanni
Jorge Tello - Leporello
Toni Aragón - Don Ottavio
Ximena Agurto - Donna Anna
Joan Miquel Muñoz - Masetto
Margarita Rodríguez - Zerlina
Inma Hidalgo - Donna Elvira
Sebastià Serra - Commendatore

Coro de Cambra de Mallorca

Orquestra de Cambra de Mallorca

Bernat Quetglas, director

Dirección de escena, Miquel Àngel Raió

DURACIÓN: 150min
PÚBLICO: Todos los públicos
GÉNERO: Italiano

Filar es una pieza de danza contemporánea y poesía visual que explora el poder de la relación entre cuerpos y objetos, una relación que se desarrolla desde la distancia de los hilos, que crean una conexión invisible entre todo lo que sucede. La historia de Filar es la de un mundo que cada día se construye y, de repente, se derrumba. Los hilos nos unen con nuestras familias, amigos, o personas con las que compartimos caminos.

Crítica Kritekaz.com Gordana Čupković : 9/7/2023

Filar, como obra basada en la multimodalidad, con mínima expresión verbal, pero con abundancia de música, efectos de luz, soluciones técnicas y videoproyecciones, que sin embargo permanece de principio a fin y nunca pierde su foco en la interacción desnuda del bailarín-teresita-espectador, un ejemplo de logro excepcional en el mundo de espectáculo para niños y adultos.

La bailarina e intérprete Antonella de Ascenzi enfatiza la conexión de la danza y el texto dramático, el objeto y la imagen, el cuerpo y el espacio, el espectador y el intérprete, en una interacción física especial, como pautas reconocibles de la estética de su danza y el teatro visual.

Filar es una obra "sobre la fuerza de la relación entre cuerpos y objetos" y sobre "hilos que crean historias" (como afirma el recital poético que enmarca la obra) y con la que se reconstruyen y construyen los mundos de las comunidades sociales y familiares. Una vez más, la expresión se produce especialmente en tiempos de crisis, lo que se evoca en la obra mediante la proyección del espacio urbano vacío como una evocación de la reciente soledad pandémica. El pilar es también la historia de los títeres: el hilo como hilo metafórico de la historia es también el mecanismo vertical tangible de la vida del títere, que también se convierte en el mecanismo horizontal de interacción material (conexión literal) con el espectador .

El espectáculo es interpretado en escena por Antonella de Ascenzi. La música, que abarca desde música de cámara en piano y percusión hasta dinámica eléctrica, está compuesta por Adrián Berenguer, mientras que Elena Piscitilli se encarga de la iluminación creativa.

La sincronización de movimiento, danza y efectos de luz, que es tarea extremadamente desafiante en esta actuación, se realizó con una práctica impresionante. La intérprete demostró que es igualmente hábil en movimientos de baile independientes y en el movimiento de la tereseta, lo que culminó en un baile conjunto entre la intérprete y la tereseta.

Niños de todas las edades (desde bebés hasta escolares) siguieron la actuación con mucha atención y en muchas ocasiones se escucharon aplausos espontáneos, tanto individuales como colectivos.

Duración: 50 min
Idioma: espectáculo sin palabra
Género: teatro
Públicos: todos los públicos

Ficha artística:

Autora, Directora y Teresetera: Antonella D´Ascenzi
Autor de la música: Adrian Berenguer
Vídeo: Guillem Muñoz
Técnica: Elena Piscitilli
Técnica utilizada: Teresita de hilo inspirada en la Kathputli de la India, danza y videomapaje.

DESCRIPCIÓN

Nominada a siete candidaturas a los Premios Max 2023, La Tarara nos cuenta la vida de Rosa, una niña que toca el violín entre fantasmas, y la otra Rosa, una prostituta que recorre las calles durante la noche. A través del género thriller, descubriremos la historia jamás contada de muchos niños y niñas que han tenido que luchar contra sus fantasmas durante años.

La atmósfera de la España de los años 70 te envolverá de pies a cabeza, una propuesta escénica que no deja indiferente, llena de música en vivo, cabaret y poesía. Una oda a la maternidad y al perdón. Un viaje a través de los ojos de Rosa. 

La crítica ha dicho

“Debo reconocer que La Tarara se encomienda a San Federico (García Lorca) y a San Pedro (Almodóvar) para ser bendecida por el lirismo surrealista de uno y la pasión tecnicolor del otro. Tiene tintes almodovarianos que se entrevén en la necesidad imperiosa de expresar el DESEO, así, en mayúsculas, en toda su diversidad. Y es deudora de Lorca porque de él bebe la atmósfera premonitoria, opresiva, el aliento poético y el misterio de esta obra”.

Josi Alvarado.

‘’LA TARARA / TARARA rezuma verdad. Un retrato social de la España de una época, la de los años 70 (Bilbao, en la versión en euskera). Un thriller poético.
Un canto al perdón, a la amistad y a la maternidad. Un texto que suena a música popular a ratos y a un concierto de una gran orquesta en otros. Un texto tan oscuro como fresco y directo. En pocas palabras: una gran historia, reflejo de nuestra propia historia.’’

 Agurtzane Intxaurraga

FICHA ARTÍSTICA

Autora: Josi Alvarado

Traducción euskera: Arantxa Iturbe

Intérpretes: Sandra Ferrús, Kepa Errasti, Jurdana Otxoa, Itziar Ituño & Eneritz Artetxe, Jose Cruz Gurrutxaga, Adrián García de los Ojos & Iñar Sastre

Direcció y Dramaturgia: Agurtzane Intxaurraga

Ayudante de dirección: Miren Gojenola

Diseño escenografía y vestuari: Ikerne Giménez

Realización escenografía: Readest Decorados y Sfumato Pintura Escénica

Ayudante escenografía: María José Villela

Realización de vestuario: KKUM Inma Gómez

Ambientación de vestuario: Taller María Calderón 

Ambientación musical: Adrián García de los Ojos & Jurdana Otxoa

Música en directe: Adrián García de los Ojos & Jurdana Otxoa

Luces: Xabier Lozano

Gráfica: Santos Bregaña. Laia

Vídeos promocionales: Acrónica producciones

Fotografía: David Bernués & Dani Blanco

Direcció de producción: HIKA Teatroa

Producció executiva: HIKA Teatroa

Equipo técnico: Acrónica producciones

Comunicació: Nagore Martínez

Administració: Asun Etxeberria

Distribució: Montse Lozano

DURACIÓN: 80 min
IDIOMA: castellano
GÉNERO: teatro
PÚBLICO: todos los públicos

DESCRIPCIÓN

Con Sergi Baos cerramos el ciclo de las lecturas dramatizadas, dentro del Festival de la Palabra (Producciones de Hierro).

Después de la lectura, como ya es costumbre, vermut musical al Hall del Teatro. Por quien no habéis venido nunca, es convierte en un espacio de relaciones y de buena conversación, justo antes de la hora de la comida del domingo, donde la música de autor preside.

FICHA ARTÍSTICA

Autor: Sergi Baos

Actores / actrices: pendientes de confirmar

Artista musical: pendiente de confirmar

DURACIÓN: 60 minutos
GÉNERO: Teatro y música
PÚBLICOS: Todos los públicos

Con un nuevo formato compuesto por cinco charlas, trataremos de tener una visión global de como la gastronomía se ha convertido en un valor diferencial. Desde la perspectiva personal de cada uno de los chefs participantes, entenderemos como su valor ha afectado su trabajo, su experiencia personal y la evolución de sus restaurantes. Por qué, hoy en día, existe una pasión por la gastronomía? Basta con ver las apariciones televisivas, los libros de recetas y de gastronomía que podemos encontrar a las librerías, así como el turismo gastronómico, del cual España es un destino preferente. Mallorca, gracias al trabajo de los chefs y los diferentes espacios gastronómicos, se está convirtiendo en un referente en este sentido. Desde la visión personal de estos cuatro chefs, descubriremos cómo ha evolucionado la gastronomía y su historia personal con la cocina.

Hermanos Torres

Los hermanos Torres, Javier y Sergio, nacidos en Barcelona el 1970, son un destacado binomio gastronómico que ha dejado su huella en el mundo culinario. Con una clara vocación desde su infancia y una excepcional formación, consiguieron dos estrellas Michelin para su restaurante Dos Cielos Barcelona el 2018 y renovaron este reconocimiento para su nuevo proyecto Cocina Hermanos Torres el 2019.

Influenciados por su madrina Catalina y con una firme decisión de ser chefs desde temprana edad, los hermanos Torres completaron su formación en reconocidos restaurantes y fusionaron su experiencia para embarcarse en diversas aventures culinarias, incluyendo la apertura del restaurante Eñe en el Brasil el 2007. El 2008, inauguraron Dos Cielos en Barcelona, y obtuvieron su primera estrella Michelín el 2010 y la segunda, el 2017.

Además de expandirse con Dos Cielos Madrid y el Espacio Ilusión, cerraron Dos Cielos Barcelona para abrir Cocina Hermanos Torres el junio de 2018, reconocido con tres estrellas Michelín. Su enfoque culinario destaca para buscar el máximo rendimiento del producto con una mínima manipulación, creando platos aparentemente sencillos, pero plenos de reflexiones y atractivo en colores, aromas, sabores y texturas.

Cocina Hermanos Torres, inaugurado el 2018, representa el sueño materializado de los hermanos. Con una nave de 800 m² en Barcelona, este espacio no solo alberga un restaurante para 65 comensales, sino también un centro I+D y proyectos formativos, incluyendo un Centro Gastronómico de Alto Rendimiento y un centro social para jóvenes con discapacidad.

Andreu Genestra
Andreu Genestra nació en Inca (Mallorca) en 1983. Chef del restaurante que lleva su nombre en el hotel Zoëtry Mallorca (Llucmajor) ha sido reconocido en 2015 con la preciada estrella Michelin. En Palma, ha abierto las puertas de Aromata, una cocina más sencilla pero con la misma esencia: producto local, cuidada elaboración y tradición mallorquina en la cocina, lo que al él le gusta llamar «cuina de la terra» y el Senzill Bistro en el hotel Predi de Son Jaumell (Capdepera).

Galardonado con 1 estrella de la Guía Michelín y 2 soles de la Guía Repsol, el restaurante Andreu Genestra es la representación máxima de este binomio: producto mediterráneo y las más sofisticadas técnicas culinarias actuales.

Andreu Genestra empezó su andadura entre las ollas de un Iberostar, quería saber con 16 años qué era ser cocinero. En ese momento su pasión arrancó cuando cursó los estudios en la Escola d’Hoteleria de les Illes Balears para luego trabajar en los mejores hoteles de la isla.

Viajó para probar suerte en Barcelona y se instaló en el Hotel Condes de Barcelona. Gracias a su esfuerzo, Andreu volvió a Mallorca para quedarse con Marc Fosh en el Hotel Read’s, quien le enseñó una de sus bases culinarias. El Relais Chateux Son Brull fue quien le aportó la visión mallorquina selecta de la cocina. De ahí viajó al País Vasco para hacer un stage en el restaurante Mugaritz y en casa de Juan Mari Arzak, dos de los cuales han marcado mucho su trayectoria, así como también a posteriori fue su estancia en el restaurante Espai Sucre y la experiencia con el reconocido chef alsaciano Jean Louis Neichel.

Su ilusión era formar parte del mejor restaurante del mundo y fue en el 2008 cuando aterrizó en el Bulli durante toda la temporada, repitiendo parte del 2009.

Seguidamente, y tras probar suerte en un pequeño restaurante llamado Laurus, cogió las riendas del restaurante El Pi del Hotel Barceló Formentor desempeñando su función de jefe de cocina por tres temporadas.

Ha estado cocinando en las temporadas de invierno en lugares como Londres, Estocolmo, Brasil y Kuwait a las ordenes de la familia real y del catering Lazurd. Ha viajado a la India y ha vuelto entusiasmado con aroma a especias, como demostró en su ponencia en Madrid Fusión en 2015.



Adrián Quetglas
Nacido en Buenos Aires en 1968. De padre y abuelos mallorquines, en su casa siempre se respiró ambiente y gastronomía de la isla.

Aún adolescente vino a Mallorca y comenzó a trabajar en restauración en Ca’n Arnau, como camarero. Su interés por la cocina y los consejos de la cocinera le llevaron hacia París, donde trabajó en La Cuisine de Marie-Blanche de Broglie. De allí se dirigió a Londres, donde prosiguió su trabajo y formación en Quo Vadis, el famoso restaurante de Marco Pierre White en el Soho.

Tras su regreso de Gran Bretaña, otra vez en Mallorca, Adrián conoce a su primer auténtico maestro y gran amigo Marc Fosh – primer chef inglés en recibir una estrella Michelín en España -, y comienza a trabajar con él en el hotel Read’s. Juntos marchan a Moscú en 2005, Marc se vuelve a Mallorca y Adrián se queda allí 10 largos años en los que ha liderado y dirigido las cocinas de algunos de los restaurantes más importantes de Rusia: Cipollino(2005), Doce Uvas (2009), los Grand Cru (2009), The Sad (2010), 16th Line (2011) y AQ Kitchen (2015), este último como copropietario.

En 2010, Doce Uvas es seleccionado como uno de los mejores 100 restaurantes de 2010 por S. Pellegrino. Y en 2016, Adrián ha sido nombrado cocinero del año en Rusia. El premio, que otorga, anualmente el portal Where to Eat, ha reconocido la labor del chef en sus restaurantes de la capital rusa. El jurado, además, reconoció a su restaurante AQ Kitchen (Moscú) como el tercer mejor restaurante del país. Este premio es el equivalente a nivel nacional -en Rusia- de la lista de los 100 mejores restaurantes del mundo, que elaboran cada año la revista Restaurants y San Pellegrino.
En 2014 escribe y publica en Moscú el exitoso libro gastronómico Tapas.
El 12 de julio de 2015, Adrián abre su proyecto más personal, Adrián Quetglas Restaurant en Palma de Mallorca.

Actualmente, Adrián vive entre Moscú y Mallorca.


Ariadna Salvador
Ariadna es menuda, pero su enorme sonrisa y su pelo rojo son siempre el centro del lugar en el que esté. Su trayectoria vital y profesional está marcada por su curiosidad innata y un sentido de la imaginación transversal que le ha llevado a tocar muchos palos relacionados con distintos aspectos del mundo de la creación. Nacida en Valencia en 1985, estudió audiovisuales y diseño de moda, y empezó a dedicarse al sector textil de manera profesional. Ganadora del 2o premio Art Jove en 2011, monta su propia tienda. Dos años después entra a trabajar en una multinacional de la moda, pero su afición por el mundo del dulce, a la que daba rienda suelta en sus ratos libres, se le empezó a ir de las manos. Y de ahí nació Aloha Pastelitos, un puesto de pasteles y otros bocados con el que se paseaba por los mercadillos más chulos de la isla. De afición a decidir dejarlo todo y empezar a estudiar pastelería solo hubo un paso. Tras las prácticas, arranca la aventura de Clandestí Taller Gastronòmic junto a su socio, el también miembro de Chefs(in) Pau Navarro, que a día de hoy es uno de los restaurantes de referencia del panorama gastronómico balear. Una aventura que hoy ya ha dejado atrás para dar paso a NINUMÀ, su proyecto más personal. En él ha volcado todo el corazón y la imaginación, creando un espacio donde poder dar rienda suelta a toda a la creatividad y fantasía que lleva dentro.


Matías Iriarte
Nació en Argentina en 1984, inició su trayectoria profesional sirviendo copas en una discoteca a los 16 años, justo cuando se acababa de trasladar a Mallorca con su familia. Durante sus primeros años de carrera, se cruzó con el bartender Fabio Raffelli, quien le enseñó que la coctelería podía ser un oficio.

Estudio Psicología en la Universitat de les Illes Balears, pero no ejerció como tal porque su verdadera pasión es la coctelería. Matías Iriarte se formó como bartender viajando por el mundo y visitando distintos bares y ferias, como la London Cocktail Week o la Bar Convent Berlin. El argentino afirma que el crecimiento de la coctelería se está desarrollando ahora mismo: “No hay bibliografía de bar, se está escribiendo”.
En el 2008 empezó su aventura en Ginbo. El establecimiento, situado en el centro de Palma, llevaba abierto desde hacia años, pero sin éxito. Matías le dio la vuelta al concepto del local y lo convirtió en una coctelería de renombre. Ginbo recibió el premio Mejor carta de cócteles de España 2016. Iriarte también está detrás de Chapeau 1987, un cocktail & whiskey bar con más de 200 referencias de whiskeys en el mundo. Además, es una de las mentes pensantes de Sala de Personal, mejor apertura de España en FIBAR 2023 y ganador de un Sol Repsol el año 2024, 50Best Discovery, un concepto de maridaje inverso de coctelería con gastronomía que va más allá de beber y comer.

Matías Iriarte fue el ganador de Bacardi Legacy 2017 en España por su coctel El Luchador. También es embajador de Bodegas Suau desde el 2017 y embajador de coctelería para Madrid Fusión. Iriarte ha sido uno de los diez finalistas en los Premios Nacionales de Gastronomía 2018.

Charla realizada con la colaboración de Economía de Mallorca.

DESCRIPCIÓN

En su segunda y última temporada del prestigioso programa de artista Jette Parker de Covent Garden- Royal Opera House, la soprano británica de origen español Alexandra Lowe participará en papeles de Mozart, Handel y Britten entre otros proyectos y trabajará bajo los directores Hartmut Haenchen, Harry Bicket y Sir Antonio Pappano. En el Linbury Theatre, Alexandra canta la producción escénica de Pierrot Lunaire de Anthony Almeida.

A pesar de los retos relacionados con la pandemia de la primera temporada de Alexandra como joven artista de Covent Garden, pudo hacer un debut muy aclamado al escenario principal como “una Dafne exquisita y segura de sí mismo” (The Guardian) a Apollo e Dafne de Handel con Christian Curnyn y participáis en una serie de acontecimientos en línea, como labra un recital de conjunto con Antonio Pappano al piano y la serie contemporánea de 8 bits que presenta abres recientemente encargadas.

Lowe empezó sus estudios al Royal Northern College of Music antes de incorporar-se en el curso de ópera a la Guildhall School of Music and Drama y posteriormente al National Opera Studio de Londres y des de entonces ha tenido un éxito significativo en competiciones, incluido el segundo premio a la Glyndebourne Opera Cup 2019 y el tercer premio a la 2020 Concorso Lirico Internazionale di Portofino, los dos otorgados por un apreciado jurado internacional.

PROGRAMA

PRIMERA PARTE

“Music For a While” de la música incidental per Oedipus - Henry Purcell, 1692
“Lascia ch’io pianga” de Rinaldo - George Frideric Handel 1711
“Porgi amor” de Le Nozze di Figaro, K. 492, Wolfgang Amadeus Mozart 1786
“Air de bijoux” de Faust, Charles Gounod 1859
——
“L'amour est un oiseau rebelle" (HaVanera) de Carmen, Georges Bizet 1875
“Kto ty, moy angel li khranitel'” (Escena de la carta) de Eugene Onegin, Pyotr Ilyich Tchaikovsky 1878
“Sì mi chiamano Mimì” de La bohème, Giacomo Puccini 1893-95

SEGUNDA PARTE

“Měsíčku na nebi hlubokém” (Cançó de la lluna) de Rusalka Op.114 - Antonín Leopold Dvořák 1900
“Vilja-lied” de Die lustige Witwe, Franz Lehár 1905
“Marinela, Marinela” de Canción del olvido ( Zarzuela), José Serrano 1916
Vals de Matilde Escalas (piano sol)
“O mio babbino caro” de Gianni Schicchi, Giacomo Puccini 1917
“La petenera” de La marchenera, Frederick Moreno Torroba 1928
“Meine lippen sie küssen so heiß“ de Giuditta, Franz Lehár 1934

FICHA ARTÍSTICA

Alexandra Lowe – soprano
Francesc Blanco - piano

DURACIÓN: 65 min
IDIOMA: Distintos idiomas
PÚBLICO: Todos los públicos

DESCRIPCIÓN

Las pasiones humanas a partir de los textos de Aleksandr Pushkin. 

Descubre Pequeñas tragedias, el espectáculo que ha sido seleccionado para formar parte del prestigioso catálogo de PLATEA 2023-2024 y altamente recomendado por La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de Titularidad Pública.

Esta obra, con dramaturgia y dirección de Pere Fullana, es una adaptación libre de cuatro piezas breves de Aleksandr Pushkin. Sumérgete en la Europa occidental a lo largo de diferentes épocas, donde la acción de las piezas, como "El invitado de piedra", "El caballero avaro", "Mozart y Salieri" y "Fausto", tejen historias en torno a las pasiones humanas: amor, engaño, celos, avaricia, envidia y ambición. Estas manifestaciones dramáticas toman vida a través de personajes icónicos y universales creados por el genio literario de Pushkin.

Con un enfoque lúcido, Pushkin realiza un diagnóstico moral perspicaz de la Europa de su tiempo, estableciéndose como un verdadero precursor del "postmodernismo". Y es a partir de este, que la producción de Iguana Teatre pretende hacer una parábola contemporánea, queriendo que el público relacione las tragedias pasadas con las que vivimos hoy en día en la Europa del siglo XXI.

La crítica ha dicho

«Una pequeña gran obra maestra. Iguana Teatre levanta un monumento a la interpretación.»

Fernando Merino, El cuaderno de Pedropan. Palma

«Una producción soberbia. [...] Y qué actores, la joven, pero ya fantástica Marina Nicolau, el genial Rodo Gener y el inconmensurable Carles Molinet [...] De lo mejor que he visto este año.»

Isaac Álvarez Félix, La Zentralita. Sevilla

FICHA ARTÍSTICA

Intérpretes: Rodo Gener, Carles Molinet y Marina Nicolau

Iluminación: Toni Gómez

Escenografía: Jordi Banal

Vestuario: Bel Cirerol

Dramaturgia y dirección: Pere Fullana

Técnico de luces y sonido: Juanro Campos

Construcción atrezzo y escenografía: Pablo Sacristan, Dídac Roig, Julia Gómez y Naiara Yerobi

Asesoramiento lingüístico: Carme Planells

Diseño gráfico y fotografía: Naiara Yerobi

Grabación videográfica: Bernardo Arzayus

Promoción y comunicación: Gemma Prats

Distribución: Santi Celaya

Diseño de producción: Carles Molinet

Producción ejecutiva: Jordi Banal

Agradecimientos: Santi Pons y Santi Celaya

A patir de textos de Aleksandr Pushkin

DURACIÓN: 80 min
IDIOMA: Catalán
GÉNERO: Teatro
PÚBLICO: Todos los públicos

DESCRIPCIÓN

 Iaia es una experiencia teatral que nos transporta al corazón de los recuerdos con el lenguaje escénico documental y multidisciplinario. En esta obra, el público tiene la oportunidad de entrar en el comedor de la iaia, un espacio cargado de historias y vivencias que se reconstruyen y toman vida en tiempo real.

En el contexto del confinamiento por la Covid-19, la relación con las abuelas (iaies nacidas entre los años 20 y 30) de todas partes se vio interrumpida. Esta inesperada situación dio lugar a las videollamadas recurrentes, un nuevo medio que, siendo completamente desconocido para ellas, abrió una ventana virtual hacia la intimidad y la sinceridad.

Iaia se convierte así en una especie de confesionario transgeneracional donde los nietos y nietas tienen la oportunidad de redescubrir la biografía de sus abuelas. Con detalles, matices e incógnitas que no habían compartido antes, la obra ofrece una visión conmovedora de la vida de estas mujeres extraordinarias. Todo esto, presentado con la distinción artística y la sensibilidad características de la compañía Mambo Project.

Una propuesta teatral que une generaciones y nos recuerda la riqueza que podemos encontrar en la historia de nuestras raíces.

FICHA ARTÍSTICA

• Dirección: Nina Solà Carbonell i Jordi Font Alonso
• Dramatúrgia: Ferran Echegaray i Verònica Navas
• Interpretación: Jordi Font Alonso, Mireia Illamola i Pino Steiner
• Diseño sonoro: Marc Naya
• Iluminación: Marió Andrés
• Escenografía: Carlos Gallardo
• Vestuario: Anna Ramon
• Diseño audiovisual: Nina Solà Carbonell
• Producción: Hèctor Boada

DURACIÓN: 60 min
IDIOMA: Catalán
GÉNERO: Teatro
PÚBLICO: Todos los publicos

DESCRIPCIÓN

Música de autor, viaje, camino y mestizaje.

Letras de rebeldía, amor, cambio y aprendizaje.

Descubrirlo es infinitamente mejor que las palabras. Con apenas 28 años, y con cuatro discos a sus espaldas, Pedro Pastor representa y lidera una nueva generación de cantautores en España. Hijo del también cantautor Luis Pastor y sobrino de Pedro Guerra, el madrileño regresa este 2022 con Vueltas, un nuevo disco que evidencia un salto en la calidad de la composición musical del artista y con la que continúa engrandando su poderosa herencia musical.

A su edad, Pedro Pastor ya suma más de doce años sobre las tablas, con más de 600 conciertos en más de diecisiete países como Colombia, México, Cuba, Argentina, Chile, Uruguay, Perú, Costa Rica, Alemania, Francia, Bélgica, Portugal… su música cabalga así entre ambos continentes con letras que suponen un canto al cambio y a la rebeldía, al amor y al aprendizaje, a la mezcla y a la fusión, como principal fuente de desarrollo musical y humano.

En su estilo conviven la cumbia, el funk, la música africana o el folklore latinoamericano, sin perderse la fuerza y la esencia de la canción de autor y su mensaje. Lejos de multinacionales y grandes sellos, Pedro desarrolla y dirige su proyecto, consolidándose como una de las voces más jóvenes representativas de la canción de autor hispanoparlante a ambos lados del océano.

DURACIÓN: 80 mins
IDIOMA: Castellano
GÉNERO: Música
PÚBLICO: Todos los públicos

Si la música funciona bien en algunas de mis películas, será por un fenómeno ajeno a mis sensibilizaciones. A los músicos que han trabajado conmigo siempre les he dado unas ideas más literarias que musicales. Luis García Berlanga

El presente proyecto quiere homenajear su figura a través de la música de sus películas. En el imaginario colectivo está bien presente la célebre “Americanos, os recibimos con alegría” hito musical del cine berlanguiano. Pero si seguimos escuchando con atención a lo largo de su filmografía, podemos encontrar maravillosos momentos musicales. Pablo García-Berlanga, sobrino-nieto del director, quiere poner en valor esta música tan especial, que será acompañada por las imágenes creadas expresamente para este proyecto por los artistas plásticos valencianos ceballos&sanabria. Será un concierto a piano que repasará los mejores momentos de la música de las películas de Berlanga.

PROGRAMA

Maestro Tokó (Pepe Martí Alegre, tío materno de Berlanga)
Alma dolorida

Esa pareja feliz (1951)  Jesús García Leoz
Tema pareja feliz
Marcha Florit

Bienvenido Mr. Marshall (1952)  Jesús García Leoz
Cabecera
El pueblo de noche
Españolada

Calabuch (1956)  Francesco Lavagnino / Guido Guerrini
Cabecera, solo de trompeta y escena final

Plácido (1961)  Miguel Asíns Arbó
Foxtrot

Las cuatro verdades (1962)  Miguel Asíns Arbó
Tanguillo del organillo

El verdugo (1963)  Miguel Asíns Arbó
Foxtrot

La boutique (1967)  Astor Piazzolla
Cabecera y escena final

La vaquilla (1984)  Miguel Asíns Arbó
Marcha de Sos del Rey Católico
Suspiros austrohúngaros
Pasodoble

Blasco Ibáñez (1996)  Bernardo Fuster / Luis Mendo
Cabecera

París Tombuctú (1999)  Bernardo Fuster / Luis Mendo
A ninguna parte

FICHA ARTÍSTICA

Pablo García-Berlanga – piano

Ceballos & Sanabria -visuals

DURACIÓN: 70 min
IDIOMA: Espectáculo sin palabra
PÚBLICO: Todos los públicos
GÉNERO: Música